25May
Det är ingen hemlighet att Disney har gett sig ut på en episk strävan att förändra prinsessans berättelse de senaste åren. Förbi är de dagar då flickor i nöd väntar på att Prince Charming ska rädda dem. Heck, Frysta handlar mindre om en kärlekskomplott än om att lära sig älska svåra syskon! Det är därför så många ögon riktas mot den nya live-action-anpassningen av Den lilla sjöjungfrun. I den ursprungliga animerade filmen från 1989 – låt oss inse det – ändrar Ariel drastiskt sitt fysiska utseende och ger upp sin bokstavliga röst för att förfölja en man. Det är inte det bästa budskapet att skicka till våra barn eller någon annan. Så vad innebär det att vara Ariel 2023?
Medan det finns en kärleksintrig i den nya anpassningen (på biografer överallt fredagen den 26 maj), spelar romansen andra fiol till Ariels intellektuella nyfikenhet. Det finns en anledning filmens första trailer visar kung Triton som skäller ut sin dotter för att ha brutit mot reglerna och besökt människor i "världen ovan" - och Ariel svarar: "Jag vill bara känna till mer om dem."
Det är också delvis därför animerade filmens snäckskalsbehåar inte syns i denna anpassning. Filmens kostymer väcktes till liv av den produktiva designern Colleen Atwood, vars många krediter inkluderar Netflix senaste hit onsdag, Sleepy Hollow (1999), In i skogen (2014) och den kommande Beetlejuice 2 (2024), som började filmas i London denna månad. Vi träffade Atwood för att diskutera inte bara de ökända skalen – eller bristen på sådana – utan också alla kostymbeslut hon gjord för att hjälpa oss att känna oss som en del av Ariels värld, samt hur hon får denna fantastiska tonårssjöjungfru att känna sig som en del av vår.
För en film som Den lilla sjöjungfrun—som är så fantastiskt, så förankrat i vår värld på ett sätt men väldigt mycket påhittat på ett annat — hur börjar man ens efterforska eller föreställa sig hur kostymen ska se ut?
Saken är som med onsdag, om det finns ett manus finns det något på sidan. [Med kostymarbete] måste du försöka återuppfinna dig själv och det du gör. Du kan vissa knep i branschen, men du måste försöka att inte använda samma om och om igen. Så det handlar om att börja med manuset och komma på nya idéer, nytt material, ny vetenskap, ny konst och [hålla sig] aktuell på det sättet.
Mycket av den här filmen är CGI. Vilken roll spelade faktiska fysiska kostymer?
Det är definitivt en annan process. I mitt fall byggde jag riktiga kostymer för att likna hur jag ville att det skulle se ut, eftersom det verkligen hjälpte de digitala människorna med färg och former. Digital ger dig alltid den här rutnätsliknande looken, så det är bra att gå bort från det rutnätet. Vi gav dem bra referenser och så mycket riktiga grejer vi kunde. Om du ger CGI-folket en solid referens, har de en bättre mall att använda än att bara skapa den från grunden digitalt.
Vi tog en hel del fiskinfluenser för de olika sjömännen och hade olika svansar och färger för att representera de sju haven, så det var denna värld av havsliv. Istället för att alla hade gröna svansar blev varje person en fisk inspirerad av haven de kom ifrån. Dessa dräkter var alla handmålade, och vissa hade skalförbättringar, eller silkscreens vi gjorde som liknade skalor.
Så du gjorde alla dessa vackra kostymer och skådespelarna bar dem inte, eller gjorde det knappt?
När skådespelarna arbetade var de i de vanliga motion-capture-dräkterna 90 procent av tiden. Det var några stycken som skådespelarna bar. [Kung Tritons] bröstskydd - han hade verkligen den på sig. Melissa McCarthys Ursula-dräkt, hon bar den för det mesta. Det var en svår sådan. Det måste vara som en dansdräkt men ändå se ut som Ursula, så vi var tvungna att ta reda på var bläckfiskbenen slutade och kostymen började, och även var människokroppen passar i den kostymen. Det var en komplex process.
Den här filmen har ett så unikt, distinkt estetiskt universum. Vad kom först – uppsättningen eller kostymerna?
Kostymerna och uppsättningen kom ihop i förproduktion. Vi började med merpeople, och efter ett par månader började vi utforska världen ovanför havet och relatera det tillbaka till havet. Många gånger börjar scenavdelningar med ett längre försprång än kostymer, men för att vi hade så många digitala uppsättningar, och rörelse var inblandad, var jag inkorporerad i mixen med besättningen i stort sett från början.
Berätta om världen över havet.
Jag hade en fantastisk tid att kostymera ovanstående värld lika mycket som undervattensgrejer. Det var den här fantasyvärlden från 1830-talet och den karibiska världen. Jag fick göra roliga dans-nummer kostymer, kostymer för det kungliga hovet, alla de där kostymerna. Sedan finns det sjömän på fartyget. Du kommer att se, det är inte bara en metod för kostym utan världar inom världar. Merpeople har en blick, och byborna och människor som bor närmare havet, mer "av havet" - deras färger är mer av färgerna på levande koraller och levande färger i havet.
Både i berättelsen och i designen var idén om två världar som existerar separat men som har mycket gemensamt en storyline. Jag tog den organiska kvaliteten hos havsdjur och snäckskal och koraller och införlivade dem i texturerna och färgerna. I hovet handlade det mer om pärlor och smycken. Vi hyrde alla dessa vintagesmycken för domstolen och [gjorde] några av dessa utomjordiska smycken. 4 havet gör dessa klara pärlor av återvunna plastflaskor. Jag använde deras pärlor för att göra en bröstsköld åt drottningen. Jag har alltid älskat dessa pärlor för att de är små och klara, så det ser snyggt ut när det läggs på något.
En märkbar frånvaro från den här filmen: Ariels skal-bh.
Vi gick bort från den där. Jag tror bara att vi ville ha en mer fiskliknande kvalitet till tjejerna. Att ha dem alla plonk snäckskal på sina bröst verkade vara en konstig väg att gå. Och när du börjar sätta skal på riktiga kroppar är det svårt att få dem att se bra ut, tro mig. Vi gick med en bralette som fortfarande har en fiskvibe men som inte var lika aggressiv som en skal-bh.
Vad var det mest utmanande med att kostymera den här filmen?
Vi sköt den under en mycket lång tidsperiod, eftersom vi stängde av den dag vi skulle börja skjuta [på grund av pandemin]. Du kommer igång – sedan bom, det är borta. Men kostymerna var gjorda; de ändrades inte när vi så småningom återupptog produktionen. Jag var tvungen att avsluta några multiplar, men showen var i stort sett redo att gå. Alla världar designades.
Var det svårt att gå ifrån en produktion och sedan behöva komma tillbaka?
Först var det så häpnadsväckande på så många plan. Jag kunde inte sluta tänka på det hela tiden. Jag kom på olika saker för Ariels systrar. I mitt sinne arbetade jag fortfarande med allt eftersom jag höll det vid liv i hjärnan istället för att helt gå därifrån.
Jag älskar att fråga kostymdesigners detta: Försökte era skådespelare stjäla något från kostymavdelningen?
Jag är säker på att de gjorde det, men jag klockade inget allvarligt. Alla vill alltid ha ett minne, eller hur? Jag såg inte saker gå hejdå, men jag är säker på att alla fick något. Jag hade så många kostymer och så många multiplar, men även med volymen av kostymer, blev allt slitet så mycket. Allt var i stort sett i bruk och under kontroll. När du har saker som inte blir vana, det är då det tenderar att flyta iväg.
Den här intervjun har förtätats och redigerats för tydlighetens skull.
Todd Plummer är en Boston-baserad journalist som bevakar kultur och livsstil. Han är en erfaren underhållningsreporter, reseskribent och är alumn vid McGill University och St. John's University School of Law.
